m
m
Making spaces safer : a guide to giving harassment the boot wherever you work, play, and gatherShawna Potter, singer for the band War On Women, has tackled sexism and harassment in lyrics and on stage for years. Taking the battle to music venues themselves, she has trained night clubs and community spaces in how to create safer environments for marginalized people. Now she’s turned decades of experience into a clear and concise guide for public spaces of all sorts, from art galleries to bagel shops to concert halls, that want to shut down harassers wherever they show up. The steps she outlines are realistic, practical, and actionable. With the addition of personal stories, case studies, sample policies, and no-nonsense advice like “How to Flirt without Being a Creep,” she shows why safer spaces are important, while making it easier to achieve them. Eschewing theory, she assumes the reader is already an ethical creature and jumps right in with candor, punk passion, and righteous anger to get the job done! [editor summary]
Jaune : histoire d'une couleurAujourd'hui, en Europe, le jaune est une couleur peu présente dans la vie quotidienne et guère sollicitée par le monde des symboles. Il n'en a pas toujours été ainsi. Les peuples de l'Antiquité voyaient en lui une couleur presque sacrée, celle de la lumière, de la chaleur et de la prospérité. Les Grecs et les Romains lui accordaient une place importante dans les rituels religieux, tandis que les Celtes et les Germains l'associaient à l'or et à l'immortalité. Le déclin du jaune date du Moyen Âge qui en fait une couleur ambivalente. D'un côté, le mauvais jaune, celui de la bile amère et du soufre démoniaque : il est signe de mensonge, d'avarice, de félonie, parfois de maladie ou de folie. De l'autre, le bon jaune, celui de l'or, du miel et des blés mûrs : il est signe de pouvoir, de joie, d'abondance.
Toutefois, à partir du XVIe siècle, la place du jaune dans la culture matérielle ne cesse de reculer. La Réforme protestante, la Contre-Réforme catholique, plus tard les « valeurs bourgeoises » du XIXe siècle le tiennent en peu d'estime. Même si la science le range au nombre des couleurs primaires, sa symbolique reste équivoque. De nos jours encore, le jaune verdâtre est ressenti comme désagréable ou dangereux car il porte en lui quelque chose de maladif ou de toxique ; au contraire, le jaune qui se rapproche de l'orangé passe pour tonique, joyeux et bienfaisant, à l'image des fruits de cette couleur.
Abondamment illustré, Jaune est le cinquième ouvrage d'une série commencée en 2000 et consacrée à l'histoire des couleurs en Europe, de l'Antiquité à nos jours. Il fait suite à Bleu. Histoire d'une couleur (2000), Noir. Histoire d'une couleur (2008), Vert. Histoire d'une couleur (2013) et Rouge. Histoire d'une couleur (2016). [résumé de l'éditeur]
Acrobates L’exposition Acrobates est réalisée par les musées municipaux de Châlons-en-Champagne en partenariat avec le Centre national des arts du cirque (Cnac) et en co-commissariat avec Pascal Jacob, historien du cirque et directeur artistique du cirque Phénix et du Festival Mondial du Cirque de Demain. À travers les collections des musées municipaux et l’incroyable collection privée Jacob-William, le thème de l’acrobate se décline sous toutes ses formes.
Acrobates met en lumière une sélection d’œuvres de typologies, époques et origines différentes, qui mettent toutes à l’honneur le geste acrobatique. Depuis les sculptures étrusques du ve siècle avant notre ère jusqu’aux œuvres de Picasso, Matisse ou Derain, le thème de l’acrobate est une inépuisable source d’inspiration.
Ce catalogue présente également des prêts de grands musées nationaux et internationaux, grâce à la participation de nombreuses institutions : Musée du Quai Branly-Jacques Chirac (Paris), MUCEM (Marseille), Musées Royaux d’Art et d’Histoire de Bruxelles, Nouveau Musée National de Monaco, Musée National des Arts Asiatiques – Guimet (Paris), Musée Picasso-Paris, Musée du Louvre (Paris), Musée des arts et métiers – Cnam (Paris), Musée Rodin (Paris), Bibliothèque municipale d’Angers, Musée Rolin d’Autun, ainsi que la collection privée « Circus Art Museum J.Y. et G. Borg ». [résumé de l'éditeur]
Circus life : performing and laboring under America's big top shows, 1830-1920The nineteenth century saw the American circus move from a reviled and rejected form of entertainment to the “Greatest Show on Earth.” Circus Life by Micah D. Childress looks at this transition from the perspective of the people who owned and worked in circuses and how they responded to the new incentives that rapid industrialization made possible.
The circus has long been a subject of fascination for many, as evidenced by the millions of Americans that have attended circus performances over many decades since 1870, when the circus established itself as a truly unique entertainment enterprise. Yet the few analyses of the circus that do exist have only examined the circus as its own closed microcosm—the “circus family.” Circus Life, on the other hand, places circus employees in the larger context of the history of US workers and corporate America. Focusing on the circus as a business-entertainment venture, Childress pushes the scholarship on circuses to new depths, examining the performers, managers, and laborers’ lives and how the circus evolved as it grew in popularity over time. Beginning with circuses in the antebellum era, Childress examines changes in circuses as gender balances shifted, industrialization influenced the nature of shows, and customers and crowds became increasingly more middle-class.
As a study in sport and social history, Childress’s account demonstrates how the itinerant nature of the circus drew specific types of workers and performers, and how the circus was internally in constant upheaval due to the changing profile of its patrons and a changing economy. [editor summary]
La formation continue pour professeurs en arts du cirque : concevoir, animer et évaluer« Cette publication est née de la volonté de la FEDEC de doter les directeurs d’école et directeurs pédagogiques d’un outil leur permettant de mettre à disposition de leurs professeurs une offre de formation et de développement professionnel en phase avec les évolutions du métier de professeur en école de cirque professionnelle et adaptable à son contexte local, national ou international.
La première partie de ce guide rappelle le contexte et les raisons de sa création. Elle donne par des clés de compréhension des enjeux liés à ce guide et précisera qui sont les principaux destinataires de cet outil. La seconde partie définit les fondements pédagogiques des sessions de formation INTENTS, véritables laboratoires d’expérimentation d’environnements de formation et qui ont vocation à servir de référence pour les formations à venir. La troisième partie, enfin, présente les propositions relatives à la conception, l’animation et l’évaluation des dispositifs de formation. Ces propositions concernent les deux grandes catégories de dispositifs (formations « intra », au sein des écoles d’une part, et formations « inter », regroupant des enseignants d’écoles différentes, à un niveau régional, national ou international d’autre part). » [résumé de l'éditeur]
The art of collectivity : social circus and the cultural politics of a post-neoliberal visionAmidst epidemics of youth alienation and cultural polarization, community-based artistic practices are sprouting up around the world as antidotes to policies of austerity and social exclusion. Rejecting the radical individualism of the neoliberal era, many artistic projects promote collectivity and togetherness in navigating challenges and constructing shared futures.
The Art of Collectivity is about how one such creative social program deployed this approach in service of a post-neoliberal vision. Focusing on a national social circus initiative launched by a newly elected Ecuadorean government to help actualize its “citizens' revolution,” the book explores the intersection between global cultural politics, participatory arts, collective health, and social transformation. The authors include scholars and practitioners of community arts, humanities, social sciences, and health sciences from the Global North and Global South. Sensitive to hierarchical binaries such as research/practice, north/south, and art/science, they work together to provide a multifaceted analysis of the way cultural politics shape policy, pedagogy, and aesthetic sensibilities, as well as their socio-cultural and health-related effects.
The largest study of social circus to date, combining detailed quantitative, qualitative, and arts-based research, The Art of Collectivity is a timely contribution to the study of cultural policies, critical pedagogies, collective art-making, and community development. [editor summary]
Support and alignment : in search of balance : sensation, development and creation in equilibristrics : pedagogical guide"It is on the basis of field observations and concrete pedagogical issues that several texts are suggested to deepen, explain or question the notions linked with balance, while giving the floor to those who have animated or participated in the training. While this book is not meant to describe the exercises involved in these practice times, their observation has made it possible to draw threads and to propose different tools that can be transferred to the pedagogical practices of each one. The two main parts of the manual are: building balance and developing a connection with balance. More than methods that impose rules or protocols, these sensitive approaches allow, at a given moment, to formalise the practices and to spread them. For all that, they go far beyond speech and writing and find their full realisation only when the body is in motion. "
The manual makes it possible to formalise the practices of the professionals of today and to disseminate them. The proposals are transferable from one apparatus to another and from one practice to another and allow to start a transversal reflection on aerial skills or, more generally, on the way in which the circus arts are constantly facing, the stakes and difficulties of vertical work, weight and gravity. [editor summary]
Continuing training for circus arts teachers : planning, facilitating and evaluating"This publication was born out of the FEDEC's desire to equip school directors and pedagogical directors with a tool enabling them to provide their teachers an offer of training and professional development in line with the evolutions of the profession of circus arts teacher in a professional circus school and adaptable to its local, national or international context.
The first part of this guide recalls the context and the reasons for its creation: it gives keys of understanding the stakes related to this guide and specify who the main recipients of this tool are. The second part defines the educational foundations of the INTENTS training sessions, which are real experiments of training environments. They are designed to serve as reference for the training courses to come. Finally, the third part introduces the proposals regarding the planning, the facilitating and evaluation of training schemes. These proposals deal with the two main categories of training set up ("intra" formations, within schools, on the one hand, and "inter" formations, bringing together teachers from different schools, on a regional, national or international level, on the other hand)." [editor summary]
Narcisse et ses avatarsEn vingt-six entrées vives et accessibles, Yves Michaud pose son regard de philosophe sur les mutations à l’œuvre dans notre société. YouTube, Narcisse, la Com’, le Design, l’Hédonisme, le Sexe ou encore le People, s’entrecroisent et se répondent dans ce petit précis philosophique ultramoderne. C’est à contrecourant des discours alarmistes que le lecteur retrouvera son quotidien, ses obsessions et névroses. Il entrera dans cet abécédaire comme on tend devant soi un miroir, ou un smartphone, et se verra délivrer des clés à la compréhension du monde d’aujourd’hui et de demain. [résumé de l'éditeur]
Making solo performanceFocusing specifically on solo making and performing, this unique and exciting text allows the experts to speak for themselves. In interviews with Misri Dey, six recognised solo performers working across a range of performance genres – including theatre, dance, live and performance art, site-specific performance, music video and film – provide insightful and practical strategies for creative making and performing processes. Interviewees include Bryony Kimmings, Tim Etchells, Bobby Baker, Mike Pearson, Wendy Houstoun and Nigel Charnock.
Engaging and accessible, this is an invaluable resource for undergraduate and postgraduate students of Theatre, Performance and Acting, scholars, lecturers and performance practitioners. It will also appeal to undergraduate and postgraduate students of Women's Studies, Creative Writing and the Visual Arts. [editor summary]
n
Z
