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À l'invitation du Collège de France, la chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker entreprend de résumer en un court traité l'ensemble de son parcours et de ses principes artistiques. Avec un sens saisissant du raccourci et la franchise qu'autorisent quarante années de recherches et de prises de risque, elle emporte son lecteur dans une méditation en plusieurs stations contrastées, qui constituent autant de définitions possibles de l'art chorégraphique.

Après Anne Teresa de Keersmaeker, Carolyn Carlson, Pina Bausch et Sidi larbi Cherkaoui, la monographie d'Akram Khan nous amène à découvrir l'intégralité de ses oeuvres et son univers créatif.
Britannique d'origine bangladeshi, Akram Khan est né en 1974. Il prend part au projet X-Group initié par l’école P.A.R.T.S. d’Anne Teresa De Keersmaeker et fonde sa compagnie en 2000. Il atteint une reconnaissance internationale dès 2002, avec sa première pièce longue Kaash. Parmi les spectacles les plus emblématiques d'Akram Khan Company, on compte XENOS, Until the Lions, Kaash, iTMOi (in the mind of igor), DESH, Vertical Road, Gnosis et zero degrees. [résumé de l'éditeur]

Des couches de textes, de temps, se sont déposées. Le processus de recherche, balisé par une multiplicité d’instants d’écriture, a donné lieu à une accumulation de saisies du présent. Des présents sédimentés sont devenus des fragments du passé ou des projets de futur. La cohabitation de différentes temporalités repose sur un équilibre instable : entre un temps qui se déroule en suivant une trajectoire et une multiplicité d’autres temps qui interfèrent, se superposent, se juxtaposent : le présent de la réflexion, de la relecture, l’instant retenu dans un témoignage ou dans une trace, les temps des voix des autres, les digressions. Partie en quête d’un présent à saisir, à capturer, à réactiver, j’ai écrit dans le vertige, en m’appuyant sur l’incessant flux du temps, en le vivant avec intensité, comme une danseuse qui embrasse l’instabilité de l’instant pour risquer des nouveaux déséquilibres. Ce présent est devenu une matière vivante, une réserve infinie d’élans.

Première monographie consacrée au travail de la danseuse et chorégraphe française qui fait du corps le lieu du politique, pour questionner les rapports de pouvoir et de domination, avec une quinzaine de textes et d'entretiens.

Pièces, installations, conférences performées, collaborations pluridisciplinaires : mêlant les genres, réfléchissant et redéfinissant les formats, le travail de Latifa Laâbissi (née en 1964 à Grenoble) cherche à faire entrer sur scène un hors-champ multiple ; un paysage anthropologique où se découpent des histoires, des figures et des voix. Les codes de la danse y sont bousculés par des corps récalcitrants, des récits alternatifs, des montages de matériaux par où s'infiltrent les signes de l'époque. Creusant les liens souterrains entre histoire des représentations et imaginaire collectif, la figure lui sert d'outil pour exposer les symptômes du refoulé colonial. [résumé de l'éditeur]

Dramaturgy in Motion innovatively examines the work of the dramaturg in contemporary dance and movement performance. Katherine Profeta, a working dramaturg for more than fifteen years, shifts the focus from asking “Who is the dramaturg?” to “What does the dramaturg think about?”
Profeta explores five arenas for the dramaturg’s attention—text and language, research, audience, movement, and interculturalism. Drawing on her extended collaboration with choreographer and visual artist Ralph Lemon, she grounds her thinking in actual rehearsal-room examples and situates practice within theoretical discourse about contemporary dramaturgy. Moving between theory and practice, word and movement, question and answer until these distinctions blur, she develops the foundational concept of dramaturgical labor as a quality of motion.
Dramaturgy in Motion will be invaluable to practitioners and scholars interested in the processes of creating contemporary dance and movement performance—particularly artists wondering what it might be like to collaborate with a dramaturg and dramaturgs wondering what it might be like to collaborate on movement performance. The book will also appeal to those intrigued by the work of Lemon and his collaborators, to which Profeta turns repeatedly to unfold the thorny questions and rich benefits of dramaturgical labor. [Editor's summary]

Si ce sont des textes d’écrivains qui ont inspiré ma danse, j’ai voulu ajouter entre leurs phrases ce qui ne pouvait pas être dit, ces gestes qui étaient imbibés de leurs mots et qui disparaissent. Rendre ces paroles aussi fugitives et éphémères qu’un geste.
Les écrits sont plus pertinents pour traverser le temps. Pourquoi alors écrire le geste, pourquoi devenir chorégraphe ?
J’ai travaillé face au miroir pour apprendre à décrypter un geste, puis j’ai abandonné le miroir pour regarder les mouvements des autres dans la vie de tous les jours, comme un anthropologue.

J’ai utilisé des caméras de toutes sortes qui m’ont permis de différencier ma vision d’un Narcisse pour laisser place à celle d’un Orphée ; l’important n’était plus ce que je voyais mais ce que je ressentais de l’intérieur.
Les images et les gestes sont devenus plus profonds et différents grâce à un décalage dans le temps et ont permis d’apercevoir l’image d’après son miroitement dans les sens.
Un travail d’orfèvre à ciseler un corps au plus proche de son âme.
Je possède des cahiers, remplis de notes et d’extraits de textes. Ils sont témoins, en plus de mes pièces, de mon existence.
J’ai créé plusieurs solos pour ensuite réaliser des pièces de groupes et pouvoir approcher et nourrir mes danseurs. Pour cela, j’ai toujours d’abord été seul en studio, sauf pour les derniers spectacles où des collaborateurs m’ont aidé à me questionner, tout simplement.
Je suis devenu plus épistolaire en écrivant mes pièces et cela à cause de mes départs.
Comme l’encre des écrivains sur le papier, j’ai dépensé pas mal de sueur et de sang avec mes interprètes. Tout cela est resté sur les planches des studios des théâtres, dans les rues, les cinémas, les jardins et aussi dans la mémoire des hommes et des femmes qui m’ont aidé à écrire cette traversée.
C’est dans cet esprit que je les ai conviés à « écrire les gestes ».
Transmettre et partager des passions, des vérités évanescentes.
Imprimer dans les mots les silences de nos gestes.
Claudio Bernardo [résumé de l'éditeur]

Belgian-Moroccan Sidi Larbi Cherkaoui and British-Bengali Akram Khan are two of today's most prolific choreographers. Given their respective backgrounds and the practices they pursue, their artistic universes are largely built around their identity in-between dance cultures. Dramaturg Guy Cools, who accompanied both, situates their work within the larger critical debate on the (post)modern and (post-)migrant identity. With a uniquely privileged insight into their creative practices, Cools details some of their iconic pieces. He also shows how they invent a new and much-needed social imagery ? which is both dialogical and embedded in a lived, migratory experience ? for present-day living in a globalized environment. As such, In-between Dance Cultures offers a complementary view on questions of cultural identity taking the contemporary dancer’s somatic awareness and knowledge of the body as its starting point. [editor summary]

Dans L’Irréversibilité et la Nostalgie, Vladimir Jankélévitch écrit : « Celui qui a été ne peut plus désormais ne pas avoir été. Désormais, le fait mystérieux et profondément obscur d'avoir vécu est son viatique pour l'éternité ». Oui, ils ont été. Dans Duo, j’ai choisi de faire « revivre » le temps d’un entretien, entre deux eaux, ces deux artistes de la danse, Merce Cunningham et Pina Bausch, décédés tous deux pendant l’été 2009. Certains faits, souvenirs évoqués sont empruntés à leurs biographies, ils appartiennent à la réalité, d’autres, contenus dans leurs paroles, sont pure fiction. Le psychanalyste Daniel Sibony, dans Le Corps et sa danse, au sein d’un paragraphe intitulé : « Le saut », écrit : « […] la danse concerne de près la Loi, donc — explique-t-il —, la jouissance, le corps, l’amour, le fantasme, le langage, le silence, la conscience de l’autre, l’espace, le temps, l’image, les liens, l’absence de lien, la scène, l’obscène, le rituel, le théâtral, le vulgaire, le sublime, le terrien, le cosmique, l’ombre et la lumière ». Dans cette phrase, ce qui m’intéresse est la liste. Elle constitue, à mon sens, une définition très juste de ce qui fait la danse. Chaque listé est présent dans les pas dansés, des pas qui, assemblés, forment une œuvre chorégraphique. J’ai tenté de faire infuser cette liste grâce aux outils qui étaient les miens : les mots. Mots qui, sur ces feuilles blanches, assemblés constituent un dialogue. Il s’agit donc d’une pièce en deux solos — pour trois comédiens — où les mots sont autant de pas pour avancer vers la fin.
Julie Rossello. [résumé de l'éditeur]

C'est un comble ! Il y a si peu de livres consacrés à la danse que l'un des rares qui s'obstine à exister soit illisible... Il est en effet impossible de lire d'une traite - comme un roman - les pages des carnets où, respectivement Yvann Alexandre, Jean-Christophe Boclé, Myriam Gourfink et Perrinne Valli ont consigné la matière de leur pièce, soit « Les Soli noirs », « La Sirène », « Überengelheit » et « Je pense comme une fille qui enlève sa robe ». Chacun a ouvert la porte de son univers avec l'ouverture de ses carnets de création. Mots épars, signes cabalistiques, langages codés, croquis, biffures, fibrilles : les outils sont multiples avec pour communes qualités d'être tous assez obscurs aux profanes. Mais ils sont l'inscription de la création même en train de se faire et sans aucun travestissement. C'est notre engagement, nous n'avons rien embelli ou maquillé. Et c'est une plongée inédite au coeur de la création chorégraphique. Manière aussi de rappeler que la danse se compose d'abors dans l'esprit de son créateur avant de naître dans le studio puis sur le plateau. [résumé de l'éditeur]

Cet ouvrage collectif propose plusieurs lectures et interprétations du travail de Myriam Gourfink à partir d'une orientation de départ qui questionne la danse comme expérience sensible. Il n'a pas vocation à être un catalogue raisonné et exhaustif de son parcours, mais une fenêtre ouverte sur son œuvre.
Myriam Gourfink – Danser sa créature fonctionne comme une caisse de résonances. Les auteurs font écho à l'œuvre, n'en révélant consciemment qu'une partie incomplète ou déformée. Il y a ici autant d'écritures que de regards dont les directions multiples participent au mouvement de l'œuvre. Autant d'avatars de la même créature. [résumé de l'éditeur]

"Finally, a comprehensive book that covers all aspects of choreography from the most fundamental techniques to highly sophisticated artistic concerns. The Intimate Act of Choreography presents the what and how of choreography in a workable format that begins with basics - time, space, force - and moves on to the more complex issues faced by the intermediate and advanced choreographer - form, style, abstraction, compositional structures, and choreographic devices. The format of the book evolved from the idea that improvisation is a good way to learn choreography. This approach is in harmony with widely accepted dance philosophies that value the unique qualities of each individual's creativity. After discussing a concept, the authors provide exploratory work, structured improvisations, and choreographic studies that give the student a physical experience of that concept. The language is stimulating and innovative, rich in visual images that will challenge the choreographer to explore new directions in movement.