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Le recueil d'essais de Michaël La Chance sur l'art performance, son éthique, ses relations avec la poésie et la littérature, ses stratégies et ses implications socio-culturelles.
Les inventeurs de vacarmes. Théorie et pratiques de la performance rassemble des observations et des réflexions sur l'art performance au Québec et sur la scène internationale. L'auteur a voulu comprendre cette forme d'art déroutante, la démarche de quelques performeurs importants, pénétrer leur univers d'un point de vue théorique, mais aussi les rejoindre dans une pratique qu'il m'a été donné d'enseigner.

La première partie examine l'éthique de la performance comme démarche pour se créer une expérience, se façonner à travers celle-ci (autodidaxie), l'enseigner et créer un contexte propice à sa réception.

Le deuxième chapitre propose quelques études sur Black Market, Tehching Hsieh, Marina Abramović, Mapa Teatro, Richard Martel, ORLAN, Boris Nieslony, John Boyle-Singfield, Jeff Huckleberry, Latifa Laâbissi, Rosy Simas, Emily Johnson et Piotr Pavlenski.

La troisième partie s'attarde spécifiquement aux rapports entre la poésie et la performance, la littérature et l'art, l'inscription du corps et des lieux par la parole et le geste.

Quant à la quatrième, elle examine les stratégies artistiques de transformation sociale, les réseaux culturels et les médias sociaux, questionnant les arts cosmodernes, la programmation technoculturelle, le microactivisme, l'action vectorielle et l'altermodernité.

Le dernier chapitre examine la pression sociale vers le consensus (l'orthodoxe culturelle régnante) et la déroute de la civilisation vers la fin (l'anthropocène) en considérant la poétique de l'exhortation, les pratiques de l'extrême et les formes de la contestation. Les nouvelles formes de la barbarie, l'appropriation culturelle et la censure morale sont également abordées.

Authenticity is a Feeling: My Life in PME-ART is a compelling hybrid of history, memoir, and performance theory. It tells the story of the interdisciplinary performance group PME-ART and their ongoing endeavour to make a new kind of highly collaborative theatre dedicated to the fragile but essential act of “being yourself in a performance situation.”

Written, among other things, to celebrate PME-ART’s twentieth anniversary, the book begins when Jacob Wren meets Sylvie Lachance and Richard Ducharme, moves from Toronto to Montreal to make just one project, but instead ends up spending the next twenty years creating an eccentric, often bilingual, art. It is a book about being unable to learn French yet nonetheless remaining Co-Artistic Director of a French-speaking performance group, about the Spinal Tap-like adventures of being continuously on tour, about the rewards and difficulties of intensive collaborations, about making performances that break the mold and confronting the repercussions of doing so. A book that aims to change the rules for how interdisciplinary performance can be written about today.

When Jacob finished a first draft of the book he sent it to many of those who had co-created or worked on PME-ART projects asking for their comments. Therefore, the book also features contributions from: Caroline Dubois, Richard Ducharme, Claudia Fancello, Marie Claire Forté, Adam Kinner, Sylvie Lachance, Nadia Ross, Yves Sheriff, Kathrin Tiedemann and Ashlea Watkin.

L'art vivant implique le corps dans la création d'une esthétique intercorporelle : relation directe avec le public, échanges entre les partenaires, émersion de sensations intimes. Par le contact tactile des mains, des corps et des peaux, des informations invisibles sont activées dans les réseaux nerveux, hormonaux et cérébraux. Ainsi, les artistes se reconnaissent par la projection de leur espace corporel qui repose sur une sensibilité empathique, dans une reconnaissance affective et sur une résonance motrice. [résumé de l'éditeur]

Le public est dans le cercle parce que nous vivons en cercle. [?] L'art nous apprend a? vivre dans le cercle ? expliquait, en 1967, John Cage dans un entretien.0Et c'est bien la voie que l'art entreprend avec les expe?rimentations des avant-gardes du de?but du sie?cle dernier, avec les pratiques de l'installation, de la participation ou de la relation des anne?es 1960 et 1970, et plus re?cemment, avec les recherches technologiques des anne?es 1990.0Les artistes se de?tournent des objets pour explorer l'installation, la participation, la relation, l'interaction.0Analysant ces transformations dans une perspective interdisciplinaire, ou? les arts plastiques croisent la musique, les arts de la sce?ne ou la performance, les essais re?unis dans ce volume, e?crits ± sur le terrain ?, se de?ploient en parcours et convergent sur la de?finition d'un art sans objet, qui, comme un cercle invisible, entoure le public ? tout a? la fois environnement, syste?me, dispositif. [résumé de l'éditeur]

Discours, réflexions et documents sur l'art performatif et chorégraphique contemporain.
Avec l'enjeu d'œuvrer le multiple, l'ouvert et le fragile, ce livre s'avance comme les gestes, les corps et les performances en arts qu'il travaille. Protéiforme, éclaté, intense, il prolonge les processus d'expérimentations, de débats, de réflexions et de découvertes qu'ont menés entre 2011 et 2014 plus de cent-cinquante artistes, chercheurs, critiques et acteurs culturels au sein du Diplôme universitaire Art, danse et performance, formation continue expérimentale de l'université de Franche-Comté.
Agencé dans une «carte» de quarante «mots» surgissant des gestes, des corps, des espaces et des temps à l'œuvre dans les performances en arts, l'ouvrage collectif rassemble plus de quarante artistes, théoriciens, critiques, curateurs, chorégraphes et performers, autant issus des arts plastiques, de l'art performance, de la poésie sonore, de la danse et du théâtre. S'y livre en éclats une hétérogénéité de discours, de réflexions et de documents: textes théoriques, textes d'artistes, essais, entretiens, carnets de recherche, transcriptions, traductions, scripts, partitions, schémas, images... Une mine où chacun est invité à puiser ses pépites jusque dans l'intervalle des pages.

Tracing a dynamic genealogy of performance from the nineteenth to the twenty-first century, in this book the author contends that Black women artists practiced a purposeful self-objectification, transforming themselves into art objects. In doing so, these artists raised new ways to ponder the intersections of art, performance, and Black female embodiment. Hence, McMillan reframes the concept of the avatar in the service of Black performance art, describing Black women performers' skillful manipulation of synthetic selves and adroit projection of their performances into other representational mediums. Also, the work analyzes daring performances of alterity staged by "ancient negress" Joice Heth and fugitive enslave person Ellen Craft, seminal artists Adrian Piper and Howardena Pindell, and contemporary visual and music artists Simone Leigh and Nicki Minaj